« 24 »  07  20 15 г.




Ахматова хронологическая таблица

Раскрыть образ Анны Ахматовой в разные периоды её жизни и творчества через поэтические и живописные портреты. Создать портрет русской женщины двадцатого века - с ее переживаниями, страстями, болями, мучениями, с ее судьбой - одновременно личной и в то же время слитой с судьбой своей страны 2. Ахматовой, созданные художника XX века и проследить их связь с творчеством и судьбой поэта 3. Познакомиться с творческой биографией художников Сопоставить поэтические и живописные портреты Анны Ахматовой, найти общие черты в образе лирической героини. Чтение и анализ стихов Ахматовой и стихов других поэтов ХХ века, посвящённых Ахматовой Мое знакомство с Анной Ахматовой началось еще в детстве: в Русском музее я увидела картину, поразившая меня и красками, и героиней: меня смотрела загадочная неземная женщина. Потом я узнала, что это портрет Анны Ахматовой кисти Натана Альтмана. Меня и сейчас поражает этот портрет: почему у поэтессы, имя которой овеяно славой, такой грустный взгляд, будто усталый? Куда устремлены мысли той, что изображена на этом портрете, о чем может грустить эта хрупкая, красивая молодая женщина с длинной шеей? Пытаясь проникнуть в тайну Анны Ахматовой, я обратилась к её стихам, в которых нашла детали портрета лирической героини, но такие же загадочные интригующие: Интерес к поэту возрос, когда я побывала в Фонтанном Доме, про который мне было известно, что он был построен для моей тезки Прасковьи Жемчуговой, я узнала, что там жила иАнна Ахматова. Мне захотелось узнать как можно больше о ее судьбе, ее мыслях и чувствах. О том, как они отражались в ее стихах. И о том, какой видели окружающие её люди, её современники, прежде всего поэты и художники. Эрих Голлербах, искусствовед, художник, писатель XX века в своей книге об Ахматовой утверждает, что «правду о поэте знают другие поэты». Я бы добавила: и художники. «Пусть последняя истина им не ведома, пусть они владеют только обрывками правды, - пишет Эрих Голлербах, - но они — поэты, они имеют право внушать нам все, что им заблагорассудится. В разных ракурсах, в разных освещениях мерещится им образ Ахматовой, и где-то на грани сознательного и бессознательного, в чудесном слиянии познающего субъекта с объектом познания, возникают «двойники» Ахматовой, новые «Ахматовы», вызванные к жизни силою творческого пафоса». То же можно сказать и о художниках, которые, как и поэты, наделены особым зрением, даром разглядеть то, что не может увидеть человек обычный. «Художники знают единственно верный путь — «abexterioribusadin-teriora» в переводе с латинского «от внешнего к внутреннему». В портретах Ахматовой больше правды о ней, чем в книгах десяти критиков», - замечает Перед нами ряд портретов: какими средствами достигнуто их сходство с моделью? В какой мере они убедительны? Проникают ли они в тайну образа Анны Ахматовой? Способны ли они разгадать тайну поэта? Предлагаю рассмотреть портреты Анны Ахматовой, созданные художниками Осмеркина и проследить их связь с творчеством и судьбой поэта; прочитать стихи Портрет — это жанр изобразительного искусства, передающий неповторимое своеобразие определенного человека. Воспроизводя индивидуальный облик человека, художник раскрывает его внутренний мир, чувства, характер через внешние признаки: мимику, жесты, манеру, движения. Важным в портрете являются все детали — поза человека, костюм, обстановка, аксессуары. Именно они помогают художнику показать общественное положение портретируемого и передать ощущение исторической эпохи. Содержанием портрета является также отношение художника к изображаемому, его личная симпатия или антипатия, преклонение, сострадание, любовь или ненависть. Создавая образ художник ищет наиболее удачный фон интерьерорганически связанный с изображаемым лицом, его характером, действием, а также композицию портрета, которая в наибольшей степени способствует раскрытию внутреннего мира и психологического состояния личности. Под портретом априори понимается перенесение облика человека «на полотно». «Портрет - изображение на плоскости индивидуального человека, не вовлеченного в действие». Художник, создавая портрет, стремится отразить не только внешность отдельного человека, но и его внутренний мир, мысли и чувства в определенный момент, особенно поразивший создателя, и преломить в данном произведении свое собственное отношение к предмету изображения. Не случайно о живописном портрете говорят, что - это «продукт лирического отношения к миру». Заметим, однако, что портрет в литературе - одна из составляющих «текстового полотна» - понятие не менее распространенное и актуальное. Под «портретом в литературе» предполагают средство характеристики героя, описание его внешности, отражающее внутренний мир, характер взаимодействия с миром внешним. Персонаж может быть не описан внешне, и портрет дается через впечатление, которое герой. «Анна Андреевна поразила меня своей внешностью. Теперь, в воспоминаниях о ней, ее иногда называют красавицей: нет, красавицей она не. Но она была больше, чем красавица, лучше, чем красавица. Никогда не приходилось мне видеть женщину, лицо и весь облик которой повсюду, среди любых красавиц, выделялся бы своей выразительностью, неподдельной одухотворенностью, чем-то сразу приковывавшим внимание». Адамович Анна Ахматова родилась 23 июня 1889 года, а умерла 5 марта 1966 года. Настоящая фамилия поэта - Горенко. Предки Ахматовой по линии матери, по семейному преданию, восходили к татарскому хану Ахмату отсюда и псевдоним «Ахматова». «Ахматова принесла в русскую лирику всю огромную сложность и психологическое богатство русского романа 19 века. Не было бы Ахматовой, не будь Толстого и «Анны Карениной», Тургенева с «Дворянским гнездом»,всего Достоевского… Свою поэтическую форму, особую и своеобразную, она развивала с оглядкой на психологическую прозу»,- говорил об Ахматовой Анна Ахматова любила свое имя, «сладчайшее для губ людских и слуха», и своей поэзией она заставила полюбить его и. Она явила образ женской души, которая приняла любовь, «как отраву». Ахматова - страдалица любви. Любовная лирика по-новому зазвучала в творчестве поэта. Недаром один из первых ее критиков, Николай Гумилев, поставил ей в особенную заслугу то, что «в ней обретает голос ряд немых до сих пор существований, - вечно влюбленные, лукавые, мечтающие и восторженные говорят наконец своим подлинным и в то же время художественно-убедительным языком». Ахматовские стихи звучат непривычно, несут с собой аромат чего-то нового, иного. Стихи Ахматовой имеют своеобразную ритмику и композицию, удивляют своими неожиданными переходами от слов настроения к словам описания, от души к природе, от факта к чувству. «Ахматова видела вещи под каким-то иным углом, всякие обыденности в устах её становились значительными. Триумфальное вхождение Ахматовой в литературу. Вхождение Анны Ахматовой в литературу было внезапным и победительным. О раннем ее формировании знал, может быть, ее муж, Николай Гумилев. Ахматова почти не прошла школу литературного ученичества и в литературе выступила сразу как стихотворец вполне зрелый. Хотя путь предстоял долгий и трудный. Ее первые стихи в России появились в 1911 году в журнале «Аполлон», а уже в следующем вышел и поэтический сборник «Вечер». Лирика послереволюционного двадцатилетия постоянно расширялась, вбирая в себя новые и новые, ранее не свойственные ей области, а любовный роман, не перестав быть главенствующим, все же занял в ней лишь одну из поэтических территорий. Однако инерция читательского восприятия была настолько велика, что Ахматова и в эти годы, когда обратилась к гражданской, философской и публицистической лирике, большинством воспринималась исключительно как художник любовного чувства. Но это было далеко не. «Третья слава» Ахматовой - это слава не только всесоюзная, но и зарубежная. Ей вручена была в Италии литературная премия «Этна-Таормина», и в Англии присвоено звание почетного доктора Оксфордского университета. В то время Анна Андреевна охотно общалась с молодой поэзией, и многие ее представители бывали у нее и читали ей свои стихи. «Во все времена своей жизни она была прекрасна. Ее красота была радостью художников. Каждый находил в ней неповторимые, пленительные черты характера. Даже в старости, отяжелев и став тучной, она обрела особую благородную статуарность, в которой выявилось отчетливо и покоряющее величие великолепной человеческой личности». Из всех видов искусств, кроме поэзии, наиболее близким была для Ахматовой живопись. Ахматова много общалась с искусствоведами и коллекционерами и, конечно же, художниками. Друзьями поэтессы были Она общалась с Впервые Ахматову нарисовал Модильяни в 1911 году. Один из последних портретов был выполнен художником Лянглебеном за два года до ее смерти. На сегодняшний день известно более двухсот портретов Ахматовой, выполненных ее современниками. Современники Ахматовой называли ее «античной гречанкой». Ахматова, ее профиль, гордо посаженная однажды на стройную, несколько вытянутую фигуру голова — не могли не привлечь внимание мастеров живописи. Она была превосходной натурой — с характером, руками, шеей, головой, а главное — с какими-то невероятно живыми глазами, иногда - словно застывающими на какое-то время. Творческие люди видели в этих выразительных глазах идеи, замыслы, немыслимые поэтические краски для людей, их поступков, простых и сложных явлений, человеческих драм, любви. Главнейшая черта её личности - величавость, царственная, монументально важная поступь, нерушимое чувство уважение к себе к своей высокой писательской миссии. Она держалась со всеми очень просто и дружественно. Ахматова придавала большое значение художественной интерпретации своего облика не только визуальной, но и поэтической. Анна Ахматова критически высказывалась о портретах Петрова-Водкина, но она никогда не забывала упомянуть их в списках иконографии. Модильяни всегда висел у нее на стене. Критерии, по которым Ахматова оценивала свои портреты, не всегда очевидны. Видимо, в портретах для неё были значимы не только художественное качество и сходство, но и личные ассоциации. Её изображения первого периода — 1910-е гг. Наиболее известные работы этого периода — работа Модильяни и Альтмана. Второй период Ахматовской иконографии охватывает 1920-1940-е гг. В центре внимание большинства художников уже не столько внешнего очарование модели, сколько творческое начало и судьба поэта. В этот период Ахматову пишут Портреты 1940-х годов открывают третий период Ахматовской иконографии. Хотя облик постаревшей Ахматовой был интересен для художников, портреты этого периода в целом менее интересны, чем портреты двух предыдущих периодов. Анна Ахматова в старости была мало похожа на свои изображения в молодости, на высокую гибкую молодую красавицу, запечатленную на них, но она осталась такой же царственной и величественной. Первым, кто обратился к Ахматовой тогда еще Горенко в стихах и создал ее поэтический портрет, был гимназист Николай Гумилев, знакомство с которым произошло в конце 1903 г. Первым своим портретом Ахматова называет строфы из поэмы Гумилева «Осенняя песня», опубликованной в его первом сборнике «Путь конквистадоров» 1905 г. Именно они передают душевное смятение, беспредельное отчаяние лирического героя, страдающего от безответной любви и не способного отказаться от мечты быть любимым. И самое привлекательное в облике возлюбленной — тихие чары, прельщающие и притягивающие, загадочность, как «отблеск дальний», и печаль, необъяснимая, неотделимая от образа даже юной Ахматовой ещё даже и не Ахматовой. В стихотворении «Русалка» Гумилев так описывал героиню своей мечты: В 1960-е гг. Ахматова писала в дневнике: «В стихах Н Мой первый портрет — в «Пути конквистадоров» — и властно требует мечта, чтоб этой не было улыбки». А «загадочная и зыбкая улыбка» была! И был «взгляд заревой» - а, может быть «роковой»? А перед глазами читателя встаёт картина: море, восходящее или заходящее солнце, а на берегу — он и она… В 1911 году после неудачного сватовства Николай Гумилёв напишет стихотворение «Отказ»: «Анну Андреевну я знал с 1912 года. Тоненькая, стройная, похожая на робкую пятнадцатилетнюю девочку, она ни на шаг не отходила от мужа, молодого поэта Гумилева… То были годы ее первых стихов и необыкновенных, неожиданно шумных триумфов. Прошло два-три года, и в ее глазах, и в осанке, и в ее обращении с людьми наметилась одна главнейшая черта ее личности: величавость. Не спесивость, не надменность, не заносчивость, а именно величавость: «царственная», монументально-важная поступь, нерушимое чувство уважения к себе, к своей высокой писательской миссии», - пишет Чуковский в очерке «Анна Ахматова», создаваемом в 1964-1968 годах. Больше пятидесяти лет разделяют стихотворение Николая Гумилёва и критические заметки Корнея Чуковского, а пишут об одном и том же: хрупкости и царственности юной Ахматовой. Хочу привести акростих Гумилева, посвящённый Ахматовой и близкий по духу лирике Ахматовой, которой «тесно в мире», где мечты о любви и свете омрачены «предвечным ужасом». Одна строка этого акростиха — «хрупких рук испуг и содроганье» говорит больше, чем иной законченный портрет Акростих греч. В длинном ряду живописных изображений Анны Ахматовой первое место, несомненно, принадлежит рисунку Модильяни. По силе выразительности с ним может быть сопоставлен только «скульптурный» стиховой образ Ахматовой, созданный Мандельштамом, о котором речь впереди. Написав воспоминания о Модильяни, Ахматова приложила к ним статью искусствоведа Николая Ивановича Харджиева, который считал, что рисунок Модильяни похож на подготовительный набросок для скульптуры, и сравнивал его с египетскими сфинксами и со скульптурой Микеланджело «Ночь». Он писал: «Перед нами не изображение Анны Андреевны Гумилевой 1911 года, но «анахроничный» образ поэта, прислушивающегося к своему внутреннему голосу. Поэтому нет ничего неожиданного в том, что образ Ахматовой перекликается с фигурой одного из известнейших архитектурно-скульптурных сооружений XVI столетия. Я имею в виду аллегорическую фигуру «Ночи» на крышке саркофага Джулиано Медичи, этот едва ли не самый значительный и таинственный из женских образов Микеланджело. К «Ночи» восходит и композиционное построение рисунка Модильяни. Подобно «Ночи», фигура Ахматовой покоится наклонно. Постамент, с которым она составляет единое конструктивное целое, повторяет дугообразную расчлененную надвое линию крышки двухфигурного саркофага Медичи. Но в отличие от напряженной позы «Ночи», как бы соскальзывающей со своего наклонного ложа, фигура на рисунке Модильяни статична и устойчива, как египетский сфинкс. По свидетельству Ахматовой, у Модильяни было весьма смутное представление о ней, как о поэте, тем более что тогда она только начинала свою литературную деятельность. И все-таки художнику с присущей ему визионерской прозорливостью удалось запечатлеть внутренний облик творческой личности. Так дремлет мраморная «Ночь» на флорентийском саркофаге. Она дремлет, но это полусон ясновидящей. Амедео Модильяни— итальянский живописец, скульптор; принадлежал к «Парижской школе». Родился 24 апреля 1884 года, в старинном портовом городе Ливорно в семье итальянских евреев. Получил хорошее образование в гимназии, одновременно посещал занятия в школе живописи Габриэле Микели, ученика известного художника Джованни Фаттори. В 1902-1903 годах имел возможность непосредственно посещать Свободную школу рисования с обнаженной натуры при Академии художеств Флоренции, где преподавал Фаттори, воспитавший в нем убежденность в высоком духовном предназначении искусства. Мечтая всегда жить в Италии, Модильяни, однако, в 1906 году перебирается в Париж. «Живопись очевидно сильнее моих желаний, она требует, чтобы я жил в Париже, атмосфера Парижа меня вдохновляет. В Париже я несчастлив, но что уж верно — работать я могу только здесь», — писал. В кафе «Ротонда» на бульваре Монпарнас, где собирались писатели и художники, Модильяни был в кругу друзей, живших, как и он, проблемами искусства. Новым искусством тогда были фовизм и набиравший силу кубизм. В эти годы художник обостренно искал свою «линию души», как назвал творческие поиски Модильяни тех лет его друг, поэт Жан Кокто. Соседом Модильяни стал Пикассо. В апреле 1909 года Модильяни переехал в ателье на Монпарнасе. Через своего покровителя он познакомился с румынским скульптором Константином Брынкуши, который впоследствии оказал на Амедео огромное влияние. Некоторое время Модильяни отдавал предпочтение занятиям скульптурой перед рисованием. Наиболее полно раскрылся сложный талант Модильяни в портретном жанре. «Человек — вот, что меня интересует. Человеческое лицо — наивысшее создание природы. Для меня это неисчерпаемый источник», — писал. Никогда не делая портретов на заказ, художник писал только людей, судьбы которых хорошо знал, он словно воссоздавал свой собственный образ модели. Портреты Модильяни полны особой, то угловатой, то плавной грации, выразительны и характерны — при полной своей бездейственности и отсутствии мимики. Грация линейных силуэтов, тончайшие цветовые отношения, обостренная выразительность эмоциональных состояний создают особый мир портретных образов. В oдин ceнтябрьcкий дeнь 1910 гoдa oн вoшeл в кaфe Рoтoндa в пoиcкaх мoдeли и увидeл oчeнь выcoкую, oчeнь тoнкую, гoрбoнocую дaму. Oнa былa тo ли пoрaзитeльнo крacивa, тo ли дурнa coбoй — этoгo тaк прocтo нe рaзoбрaть. Нo oнa былa ocлeпитeльнa. » — нaкoнeц пoдoбрaл вeрнoe cлoвo Мoдильяни. Русская поэтесса итальянский художник, оба еще почти неизвестные критикам и публике, чутко и остро почувствовали силу пока неоткрытого чужого таланта. Присутствие непостижимой и неудержимой энергии, энергии гениальности электризовало воздух и притягивало их друг к другу. «Как я теперь понимаю, его больше всего поразило во мне свойство угадывать мысли, видеть чужие сны и прочие мелочи, к которым знающие меня давно привыкли. Он все повторял: «Передача мыслей. » Часто говорил: «Это можете только вы». Вероятно, мы оба не понимали одну существенную вещь: все, что происходило, было для нас обоих предысторией нашей жизни: его — очень короткой, моей — очень длинной. Дыхание искусства еще не обуглило, не преобразило эти два существования, это должен был быть светлый, легкий предрассветный час. Но будущее, которое, как известно, бросает свою тень задолго перед тем, как войти, стучало в окно, пряталось за фонарями, пересекало сны и пугало страшным Парижем, который притаился где-то. И все божественное в Модильяни только искрилось сквозь какой-то мрак. Он был совсем не похож ни на кого на свете. Голос его как-то навсегда остался в памяти». Модильяни написал 16 портретов Ахматовой, большей частью ню, из которых осталось всего лишь. Он рисовал Анну не с натуры, а по памяти, в небольшой импровизированной мастерской. На прощание художник подарил портреты Ахматовой, но ей не удалось сохранить их в кровавой смуте, охватившей революционную Россию. Лишь одна из его работ навсегда осталась в ее жизни - кочуя в странствиях из одного дома в другой, рисунок всегда оставался висеть над ее кроватью. Портретное сходство сведено до обозначения отдельных характерных черт лица- запоминающийся нос и темные волосы. Свой портрет Анна хранила всю жизнь. В этой привязанности к портрету есть доказательство того, как дорожила Анна Ахматова памятью о своем недолгом периоде жизни, связанном с Модильяни. Друзья Анны Андреевны знали о рисунке из ее частых рассказов о художнике и о том, как он ее рисовал. Но прочесть об этом стало возможным только через полвека, в 1964 г. Наверное, не случайно в шестидесятые же годы, готовя к печати свой трехтомник, она решила поместить его на суперобложку именно второго тома, куда предполагалось включить «Поэму без героя» и часть прозы, связывая таким образом рисунок с содержанием тома: «В январе 1914 г. Пронин устроил большой вечер «Бродячей собаки» не в подвале у себя, а в каком-то большом зале на Конюшенной. Обычные посетители терялись там среди множества «чужих» т. Было жарко, людно, шумно и довольно бестолково. Нам это наконец надоело, и мы человек 20—30 пошли в «Собаку» на Михайловской площади. Там было темно и прохладно. Я стояла на эстраде и с кем-то разговаривала. Несколько человек из зала стали просить меня почитать стихи. Не меняя позы, я что-то прочла. Подошел Осип: «Как вы стояли, как вы читали» и еще что-то про «шаль». Так возникло «Вполоборота, о, печаль. » - рассказывает Анна Ахматова о рождении стихотворения Осипа Мандельштама. Стихотворение было написано в 1914 году, опубликовано в его первой книге «Камень». «В тоне высокого трагизма, с лапидарностью подлинного поэта, он сказал всего несколько слов — о ложноклассической шали, о негодующей Федре. Он дал только фрагмент, но его восьмистишие останется навсегда в «галерее Ахматовой», как бронзовое изваяние». «Спадая с плеч, окаменела ложноклассическая шаль» - эта поэтическая строка словно оживает на живописном полотне: ярко-красная тяжёлая, как театральный занавес, шаль оказывается на переднем плане картине. Она приоткрыла на мгновение красивую молодую женщину, приоткрыла мир, в котором царит эта величавая красавица, владычица гор, лесов и небес, и вновь скроет его от. Этот мир для избранных… Шаль становится поэтической деталью, неотделимой от образа Анны Ахматовой и в стихотворении Александра Блока. В живописи к мандельштамовскому «портрету» Ахматовой близок портрет Делла-Вос-Кардовской, с тою только разницей, что «Федра» Кардовской создана для салона, а не для театральных подмостков. Это скорее светская женщина, чем героиня. Но музыка стихов Мандельштама явно звучит в этом прекрасном портрете. Самая знаменитая встреча Блока с Ахматовой произошла 15 декабря 1913 года в доме Блока на Офицерской улице в Петербурге. «В тот единственный раз, когда я была у Блока, я между прочим упомянула, что поэт Бенедикт Лифшиц жалуется на то, что он, Блок, одним своим существованием мешает ему писать стихи. Блок не засмеялся, а ответил вполне серьезно: «Я понимаю. Мне мешает писать Лев Толстой». Позднее Блок принес Ахматовой подписанные книги и посвященное ей стихотворение: Стихотворение было написано 16 декабря 1913 года. Блоковское стихотворение изначально имеет не посвящение, но название «Анне Ахматовой». В стихах Блока об Ахматовой звучат «карменовские» ноты блоковской лирики, но в их структуре есть что-то беспомощное, не соответствующее резкой, чуть-чуть плясовой ритмике стиха. По четырехстопному хорею, словно по полу, усеянному гвоздями, проходит печальная цыганка. Не страшно и не просто звучит деревянная дробь последней строфы: Блоковскому образу Ахматовой отчасти соответствует в живописи портрет Натана Альтмана. Этот портрет нужно признать одной из заметнейших вех в истории русского искусства вообще и в развитии портретного художества в частности. Интересно сопоставить его с серовским портретом Иды Рубинштейн, с которым его сближает не только сходство фигуры Ахматовой с телом «великой Иды», но и общность подхода к теме: в обоих случаях перед нами ярко выраженное искание стиля. Но в то время, как Серов в данном случае променял на стиль свой изумительный психологизм, Альтман сумел дать нечто всеобъемлющее: его портрет интересен и как явление стиля, и как психологический опыт, и, наконец, просто — как документ. В поисках формы Альтман при всем своем «кубизме» сумел остаться реалистом, сделал крепкую, хорошо сколоченную вещь. Подчеркнутая худоба и угловатость модели согреты густым, сочным колоритом. Сходство дано не только внешнее, но глубоко интимное. Невольно вспоминаются строки о «безвольно просящих пощады глазах» и «чуть видном движении губ». Портрет Анны Андреевны Ахматовой Альтман написал в 1914 году. В 1911 году в Париже Альтман мельком познакомился с Анной Ахматовой. Их познакомил Модильяни на одном из светских вечеров. В 1913 году в артистическом кабаре «Бродячая собака» Натан Исаевич встретился с Анной Ахматовой, уже во второй. Альтман был поражен ее обликом, великолепным умением нести бремя своей внезапной славы, уже придававшим этой молодой женщине, его ровеснице, нечто царственное. Анна Ахматова теперь была символом своей страны и своего времени. Когда Альтман попросил Ахматову позировать ему, она согласилась, хотя уже была владелицей потрясающего рисунка Модильяни. Альтман одним росчерком сделал дружеский шарж. Знаменитый портрет появился позже, когда начались долгие сеансы в мастерской-мансарде на Васильевском острове, где Анна Ахматова жила одна в студенческом общежитии. Натан Альтман жил неподалеку. Портрет работы Натана Альтмана стал вехой в биографии и художника, и модели. Более того, он стал одним из «портретов эпохи». Острота, новизна акмеизма, острота и оригинальность звучания нового поэта плюс острота ахматовского силуэта привели Альтмана к использованию новых в русской живописи приемов кубизма. «Ритму кристаллов пейзажа, на фоне которого изображена героиня, вторят изломы фигуры,- пишет современный искусствовед. Кубистическая «колючесть», игра режущих плоскостей, введённая в портрет, усиливает волну утонченности, идущую от модели». Портрет стал ярким явлением нового художественного стиля и обостренным выражением стильности модели — героини Серебряного века. Сама Ахматова неоднократно повторяла, что портрет не любит, но, тем не менее, с удовольствием вспоминала рождение своего портрета. Художник показывает нам образ женщины твердой, угловатой, холодной, замкнутой. Анна Ахматова сидит в правом повороте, в длинном синем платье. Подчеркнутая худоба и угловатость модели согреты густым, сочным колоритом. Альтман выделяет аристократическую, гордую осанку поэтессы. Тело Ахматовой сделано очень гибким. «Тонкая, высокая, стройная, с гордым поворотом маленькой головки, закутанная в цветистую шаль, Ахматова походила на гитану… Мимо нее нельзя было пройти, не залюбовавшись ею». На заднем плане мерцают дробящиеся кристаллические структуры, создающие подобие сказочного царства. Интенсивность желтого и синего цветов платья контрастирует с приглушенностью полупрозрачных зеленоватых и голубых тонов фона, сверкающих на холсте подобно драгоценным камням. Существует мнение, что понимание политической исторической атмосферы, в которой находился художник необходимо для верной трактовки его произведения. В любом портрете есть свой подтекст и скрытая драматургия. Синий цвет преобладает на этой работе Альтмана, этот цвет по структуре образа - указатель войны. Это цвет войны, цвет насилия и зла, не случайно военная форма и военное знамя многих стран, в том числе и США именно такого цвета цвет-адмирал. Поскольку война ведется за собственность, то дубина народной войны под сиденьем табурета поделена на пять частей пятерка - символ кулацкой собственности. Практически всю правую часть холста занимает пейзаж: замерзшие, в форме кристаллов деревья, а дерево - это «древо жизни», но во время войны жизнь в стране замерла. Под левую ногу подставлен деревянный ящик-гроб, символ того, что народ вымирает. Ахматова там какая-то зеленая, костлявая, на лице и фоне кубические плоскости, но за всем этим она похожа, похожа ужасно, как-то мерзко в каком-то отрицательном смысле…»- говорили современники Ахматовой и Альтмана. Это один из лучших портретов Альтмана. Портрет одновременно типично светский и вместе с тем, благодаря нестандартному силуэту и броскому аксессуару- шали, - портрет авангардный. В таком смешении стилей есть острота, но есть и эстетическая оправданность. Натан Альтман - один из самых ярких представителей русского авангардного искусства. Натан Исаевич Альтман родился в 1889 году в Виннице, небольшом провинциальном городе на Украине. Рано лишившийся отца, он всего достиг собственными силами и благодаря таланту. С детства мечтал стать художником. Обучался живописи в Одесской художественной школе. Природное незаурядное дарование, честолюбие, поиск новых идей и форм вызывали в душе юного художника недовольство учителями его мятежной душе было тесно в строгих рамках классического художественного образования. Альтман возвращается в Винницу и начинает работать самостоятельно. В конце 1910 года Натан Альтман отправляется в Париж, и эта поездка оказывает огромное влияние на его будущую карьеру и влияет на его становление как художника. Париж начала 20-го века был центром и генератором новых художественных направлений и течений вспомним Пабло Пикассо, его влияние на творчество Альтмана очевидно. Феноменальная природная чуткость позволяла Альтману быстро подхватывать и органично усваивать актуальные художественные идеи своего времени, а редко встречающийся врожденный профессионализм - тотчас воплощать эти идеи в безукоризненно артистичной и элегантной, легко воспринимаемой форме, к какой бы области творчества он ни обращался. В конце 1912 г. Успешными были его опыты в скульптуре «Автопортрет», 1916графике цикл «Еврейская графика» по мотивам надгробных рельефов, 1914 и сценографии пьеса «Чудо святого Антония» Метерлинка в петроградском литературно-артистическом клубе-кафе «Привал комедиантов», 1916. В 1920х годах он сосредоточил свои усилия на графике - станковой серия портретов современных писателей, 1926-27 и книжной, в которой быстро сумел выработать собственный острый, запоминающийся стиль. Альтман выехал с театром на гастроли в Европу и после окончания гастролей остался во Франции. Ознакомление с процессами, происходившими в современном французском искусстве, побудило его вернуться к живописи. Художник написал большое количество пейзажей и натюрмортов, в которых он тонко и своеобразно возрождал традицию импрессионизма. При этом Альтман по-прежнему был мастером на все руки: отлично оформил несколько детских книг, подготовил очень интересные иллюстрации к «Петербургским повестям» Гоголя 1933-34, изданы в 1937 и серию литографий на темы Ветхого Завета, а также занимался дизайном и оформлением интерьеров. Вернувшись на родину в 1935 г. Его живопись настолько не отвечала критериям внедряемого социалистического реализма, что он был вынужден вообще оставить ее и заниматься только сценографией и книжной графикой, где определенная специфика работы в какой-то мере позволяла избегать идеологических придирок и быть менее заметным. В 1935 году женился на Ирине Валентиновне Щеголевой, дочери Тернавцева, одного из организаторов Религиозно-философского общества. Умер Альтман в Ленинграде 12 декабря 1970 года. Портрет Анны Андреевны Ахматовой Альтман написал в 1914 году. В 1911 году в Париже Альтман мельком познакомился с Анной Ахматовой. Их познакомил Модильяни на одном из светских вечеров. В 1913 году в артистическом кабаре «Бродячая собака» Натан Исаевич встретился с Анной Ахматовой, уже во второй. Альтман был поражен ее обликом, великолепным умением нести бремя своей внезапной славы, уже придававшим этой молодой женщине, его ровеснице, нечто царственное. Анна Ахматова теперь была символом своей страны и своего времени. Когда Альтман попросил Ахматову позировать ему, она согласилась, хотя уже была владелицей потрясающего рисунка Модильяни. Альтман одним росчерком сделал дружеский шарж. Знаменитый портрет появился позже, когда начались долгие сеансы в мастерской-мансарде на Васильевском острове, где Анна Ахматова жила одна в студенческом общежитии. Натан Альтман жил неподалеку. Портрет работы Натана Альтмана стал вехой в биографии и художника, и модели. Более того, он стал одним из «портретов эпохи». «Анна Андреевна поразила меня своей внешностью. Теперь, в воспоминаниях о ней, ее иногда называют красавицей: нет, красавицей она не. Но она была больше, чем красавица, лучше, чем красавица. Никогда не приходилось мне видеть женщину, лицо и весь облик которой повсюду, среди любых красавиц, выделялся бы своей выразительностью, неподдельной одухотворенностью, чем-то сразу приковывавшим внимание». В лирической героине угадывается страстная личность. Перед читателем предстаёт человек, на долю которого выпали страдания и лишения. Автор видит в героине родственную душу, называет её сестрой. Софья Парнок, как и Ахматова, была поэтессой, у них был высечен «вещий знак» на руках. Кольцо Венерино — указание на склонность к страстям, повышенную чувствительность, эксцентричность. Лирическая героиня противопоставлена многим, её натура страстная и пламенная при её появлении «дохнуло огнем из дверей». Но почему же во взгляде «огонь померк»? Почему же «лицо заплакано» и кровь на губах? Губы искусаны, видимо от невыносимой боли, признаться в которой не позволяет гордость и достоинство. Так трудно представить заплаканной Анну Ахматову, которая писала в эти же годы: «С каждым годом Ахматова становилась величественнее. Она нисколько не старалась об этом, это выходило у нее само собою. «Даже в очереди за керосином и хлебом, даже в поезде, в жестком вагоне, даже в ташкентском трамвае, всякий не знавший ее чувствовал ее «спокойную важность» и относился к ней с особым уважением, хотя держалась она со всеми очень просто и дружественно, на равной ноге», - читаем мы в очерке Корнея Чуковского об Ахматовой. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин, русский и советский художник, родился в Хвалынске в 1878 году в семье башмачника. Уроки живописи Кузьма Сергеевич брал еще в раннем детстве у нескольких иконописцев. Петров-Водкин испытывал интерес к живописи раннего Возрождения и русской иконописи, результатом чего считается разработка им сферической перспективы. Ориентирование Петрова-Водкина на традиции древнерусской живописи ещё сильнее заметны в таких полотнах как «Мать», «Девушки на Волге», «Утро. Застывшие женские образы, зафиксированность момента, созерцание окружающего мира и четкие линии — все это вызывает ассоциации с образцами древней иконописи. Кузьма Петров — Водкин часто обращался к символам начала, изменения, зарождения жизни, изображая на своих полотнах водную стихию и женщин с детьми. Важную роль в построении образа в работах художника сыграла и цветовая система. Цвет почти всегда имел символический смысл, но, кроме того, истолковывался своеобразно: Кузьма Петров-Водкин не любил тонких переходов, его интересовала постоянная окраска предмета и локализация цвета, а так же окончательное преодоление импрессионистического видения ради выражения каких-то неизменных качеств, присущих миру. После окончания средней школы устроился работать на верфь, планируя поступить в железнодорожный колледж в Самаре. После неудачи на экзаменах, он снова стал брать уроки живописи у Фёдора Бурова в 1893 году. В апреле 1895 года Буров умер. Но к счастью, вскоре Кузьма знакомиться с известным архитектором Мельцером, который приглашает его поехать учиться живописи в Петербурге. Петров-Водкин живет там и посещает школу Барона Штиглица с 1895 по 1807 год. Затем он поступает в Московское Художественное Училище живописи, ваяния и зодчества. С 1901 по 1904 год он берет уроки живописи у Антона Ашбе в Мюнхене. В 1906 году в Париже женится на Марии Йованович 1885-1960. Картина «Купание красного коня» написанная в 1912 году, принесла известность Кузьме Петрову-Водкину, прославив его имя на всю страну. С 1924 по 1926 год Петров-Водкин жил во Франции со своей семьей. С помощью советского правительства, он совершает несколько путешествий по СССР. Занимается также литературным трудом, сочиняя рассказы, повести, пьесы и очерки. Пишет теоретические статьи, занимался преподаванием. Петров-Водкин был одним из реорганизаторов системы художественного образования. Выдающийся портретист, Петров-Водкин видел в своих моделях живые вехи времени, героические воплощения человеческого достоинства и творческой чести. Таковы его «Автопортрет» 1918портрет Белого 1932портрет Анны Ахматовой 1922. Художник был поклонником поэтической лиры Анны Ахматовой. Ахматова считала Петрова-Водкина хорошим художником, хотя, по свидетельству современников, об этом портрете говорила: «Неудачно, по-моему» и «Не похож — он робкий». Имитируя греческий стильК. Петров-Водкин показал Анну Ахматову в «любимых тонах», поэтически задумчивой, творцом. В отличие от тех, кто обычно подчеркивал эффектный и красивый облик поэтессы, Кузьма Сергеевич Петров-Водкин оттенил в ее лице строгую сосредоточенность, серьезную работу мысли. Портрет передает скорее эмоции, испытываемые женщиной, чем внешний вид. Прежде всего, это образ человека творческого, интеллектуального, это личность, которую создало время на рубеже двух исторических эпох. В синеве мудрых ахматовских глаз, в ее печали раскрыты духовная красота. Ахматова как бы прислушивается к своей музе-вдохновительнице, зримый облик которой тоже изображен художником за головой поэтессы. Муза Ахматовой имеет женственные черты лица: высокий лоб, тонкий нос и выразительные женственные скулы. Ее муза олицетворяет скорбь. Муза Ахматовой пленительно-чарующая и кроткая, а также грустная и печальная: Веселой Музы нрав не узнаю: Она глядит и слова не проронит, А голову в веночке темном клонит, Изнеможенная, на грудь мою. И только совесть с каждым днем страшней Беснуется: великой хочет дани, Закрыв лицо, я отвечала ей. Но больше нет ни слез, ни оправданий. В 20-е годы на долю Анны Ахматовой выпали тяжкие испытания. «Грусть была наиболее характерным выражением лица Ахматовой. Даже когда она улыбалась. И эта чарующая грусть делала её лицо особенно красивым. Всякий раз я не мог оторваться от её лица: глаза, губы, вся её стройность были тоже символом поэзии»,- скажет художник Анненков в 1921 году. Скорбь, бледность, худоба подчеркнули женственность Анны Ахматовой. Она все такая же загадочная, мистическая, мудрая интеллектуальная, как и на предшествующих портретах. Ее дух закаляется страданиями, становясь сильнее. Страдания во многом формируют ее духовную красоту. «Судьба Ахматовой — нечто большее, чем даже её собственная личность, — лепила тогда у меня на глазах из этой знаменитой и заброшенной, сильной и беспомощной женщины изваяние скорби, сиротства, гордыни, мужества». В стихотворении «Анне Ахматовой», написанном в 1929 году, Борис Пастернак восхищается красотой души Анны Ахматовой. Несмотря на внешние обстоятельства, Ахматовой удается сохранить в себе благородство, гордость, человеческую любовь и любовь к Богу. Поэтесса поражает спокойным приятием страданий и болей. Ахматова воспринимает испытания, выпавшие ей на долю, как закал души, постижение истины, постижение Бога. Александр Александрович Осмеркин был натурой многообразно одаренной. Увлекался театром, в юности мечтал стать актером, даже собирался учиться пению. Любовь к театру сохранилась и в дальнейшем, но победила страсть к живописи. Осмеркин не был открывателем новых путей в искусстве, а был просто талантливым и культурным живописцем. Он был безраздельно предан искусству. Родился в Елизаветграде ныне Кировоград, Украина 26 ноября 8 декабря 1892 в семье чиновника-землемера. Занимался в Киевском художественном училище 1909—1911 под руководством Пимоненко, а затем в школе-студии Жил в основном в Москве, часто приезжал в Ленинград. Еще в ранние годы испытал сильное влияние Сезанна, а также французского фовизма и кубизма. Позднее, главенствующую роль в живописи Осмеркина обретает цветовая. Писал в основном камерные портреты и натюрморты, неброские по композиции, задумчиво-созерцательные пейзажи, иногда создавал историко-революционные полотна. В поздних его вещах отзвуки кубизма уступают место импрессионистической манере письма. Александр Осмеркин - живописец он до глубины души московский, и все же южное детство для человека со столь выраженным колористическим даром не прошло зря. Глаз, воспитанный на остром контрасте цвета и тени, был готов к восприятию выразительной силы локального пятна изощренно-тонкого оттенка. Так случилось, что с первого послереволюционного года Осмеркин наряду с живописью занимается преподавательской работой; в 1920—40-е годы он преподает в Москве и в Ленинграде. В числе учеников Кончаловский, позднее — В этот период Анна Андреевна Ахматова бывала у художника Александра Осмеркина. В Ленинграде он нарисовал знаменитый портрет Ахматовой, изобразив ее в белую ночь на фоне окна Фонтанного Дома 1939—1940. Помимо поэзии и живописи, их связывало преклонение перед гением Пушкина. Осмеркин писал: «Каждый день бываю у Анны Андреевны, которую пишу в белом платье на фоне лип в белую ночь». Ахматова была дружна с Осмеркиным, терпеливо выдерживала ночные сеансы, хотя и признавалась Чуковской: «Я только для него позирую, я его очень люблю, он хорошо ко мне относится, а вообще-то писать меня не стоит, эта тема в живописи и графике уже исчерпана». Портретом и натура, и художник остались довольны. Осмеркиной, передавшей его в Литературный музей, Анна Андреевна, навещая Александра Александровича в Москве, всегда просила показать свой портрет. Женщина, глядящая в даль, в белую ночь из окна, - это и поэт, непостижимый до конца в тайне своего дара, и мать, проводящая месяцы в тюремных очередях, и память, которую не удалось «до конца убить». На картине показана женщина натерпевшаяся и переживающая не лучшие времена. Анна Ахматова классически величественна и спокойна, лицо задумчивое и строгое. И, несмотря на то, что в окне благоухают цветущие кусты, образ нельзя назвать лирическим. Ахматова собрана внутренне и как бы готова к новым ударам судьбы, и к новым битвам. В конце 1940-х годов Осмеркина, признанного художником «ярко выраженного формалистического направления» и «пособником космополитов», пытались поставить вне художественной жизни. В 1947—48 годах он был отстранен от педагогической работы в Москве и Ленинграде, а вскоре и лишен права выставлять своя работы. Это усугубило болезнь и ускорило смерть художника. Однако и тяжко больной, он продолжал работать, а «умер с кистью в руке, как и хотел», по свидетельству друга Осмеркина художника Умер Осмеркин в Москве 25 июня 1953 года. В 1930-ых-1940-ых годах Анна Ахматова становится символом Петербурга. Она, как белая ночь, прекрасная, неуловимая, легкая, таинственная, спокойная и тихая. Жизнь Ахматовой наполнена страданиями и глубокими переживаниями, связанные с судьбой сына, неустроенностью, уходом близких людей. Но она сохраняет стойкость, собранность и остается готовой к новым ударам судьбы, с истинным и глубоким христианским чувством. Вера помогает пройти ей через все испытания. Целью моей работы было раскрытие образа Анны Ахматовой через поэтические и живописные портреты в разные периоды её жизни. В творчестве Ахматовой создан портрет русской женщины двадцатого века - с ее переживаниями, страстями, болями, мучениями, с ее судьбой - одновременно личной и в то же время слитой с судьбой своей страны. Исходя из этого, я попыталась создать портрет русской женщины двадцатого века - с ее переживаниями, страстями, болями, мучениями, с ее судьбой - одновременно личной и в то же время слитой с судьбой своей страны. «Судьба Ахматовой — нечто большее, чем даже её собственная личность, — лепила тогда у меня на глазах из этой знаменитой и заброшенной, сильной и беспомощной женщины изваяние скорби, сиротства, гордыни, мужества», - писала Лидия Чуковская Я познакомилась с судьбой и творчеством Анны Ахматовой. Рассмотрела портреты Анны Ахматовой, созданные художниками Я выполнила поставленные задачи: п ознакомиться с судьбой и творчеством поэта XX века Ахматовой; с творческой биографией художников Из множества живописных полотен, посвящённых Анне Ахматовой, я отобрала портреты Ахматовой, созданные художниками XX века, проследила их связь с творчеством и судьбой поэта и через эти портреты попыталась раскрыть образ Анны Ахматовой в разные периоды её жизни и творчества. Я отобрала стихи поэтов ХХ века, посвящённые Ахматовой, проанализировала некоторые из них и сопоставили их с живописными портретами их лирической героини. Анализируя художественное произведение, мы исходим из того, что оно является звеном единой художественной системы. Но система эта включает в себя не только литературу, она охватывает всю сферу искусства — изобразительное искусство, музыку, искусство театра, кино и т. При этом поэзия особенно близка двум видам искусства - изобразительному искусству и музыке. Близость эта обуславливает внимание к пластической и музыкальной выразительности лирического произведения. Также эта близость дает возможность, при изучении лирики, широко обращаться к образам родственных поэзии искусств. В результате исследования мне удалось проследить, как образ великой поэтессы менялся с течением времени. Посвященные Ахматовой стихи и картины, отражая развитие ее образа, в то же время передают ее величие, царственность, гордую красоту, которые остаются неизменными на протяжении всей ее жизни. На примере Анны Ахматовой я познакомилась с образом женщины двадцатого века. Анна Ахматова в своих стихах смогла передать драматическую историю своей страны в самые острые и горькие моменты двадцатого века, пропущенную через сердца женщин. «Образ Музы в лирике Анны Ахматовой». Русская литература ХХ века. Практикум для общеобразовательных учреждений. Сочинения в двух томах. Издательство «Правда», 1990 г. «Ахматова видела вещи под каким-то иным углом, всякие обыденности в устах её становились значительными. Большинство стихотворений Ахматовой - лирические новеллы, в которых происходят конкретные события. Новелла - небольшой прозаический жанр, разновидность рассказа, отличающаяся строгостью сюжета и композиции Создаваемый в стихах Анны Ахматовой мир может восприниматься как миниатюрный, камерный. Угол зрения в ее ранней поэзии и в самом деле не широкое, а само зрение может быть названо сосредоточенным. И это все потому, что, говоря о любви, Ахматова говорит о том, что по ее мнению, составляет ценность человеческого существования: то любовь к другому, то любовь другого к себе, то «разлюбление», то ревность, то обида, то самоотречение, то дружба. Ахматова всегда впрямую говорит о чувствах и переживаниях - в этом своеобразие лирики Ахматовой как вида художественного творчества. Ахматова описывает переживания очень яркой и напряженной жизни. Ахматова говорит о простом земном счастье и о простом личном горе. Состояние героев передается через емкие, точные, психологически значимые детали. «Ахматова принесла в русскую лирику всю огромную сложность и психологическое богатство русского романа 19 века. Не было бы Ахматовой, не будь Толстого и «Анны Карениной», Тургенева с «Дворянским гнездом»,всего Достоевского… Свою поэтическую форму, особую и своеобразную, она развивала с оглядкой на психологическую прозу»,- говорил об Ахматовой Анна Ахматова любила свое имя, «сладчайшее для губ людских и слуха», и своей поэзией она заставила полюбить его и. Она явила образ женской души, которая приняла любовь, как отраву. Любовная лирика по-новому зазвучала в творчестве поэтессы. Недаром один из первых ее критиков, Гумилев, поставил ей в особенную заслугу, что « в ней обретает голос ряд немых до сих пор существований, - вечно влюбленные, лукавые, мечтающие и восторженные говорят наконец своим подлинным и в то же время художественно-убедительным языком». Ахматовские стихи звучат непривычно, несут с собой аромат чего-то нового, иного. Стихи Ахматовой имеют своеобразную ритмику и композицию, удивляют своими неожиданными переходами от слов настроения к словам описания, от души к природе, от факта к чувству. Уже первая строка «Не любишь, не хочешь смотреть? » - первая строка, состоящая из одних глаголов с отрицательной частицей «не», полна силы, экспрессии. Здесь действие, выраженное глаголом, открывает строку и стихотворение в целом и завершает ее, увеличивая вдвойне ее энергию. Усиливает отрицание, а тем самым способствует созданию повышенного экспрессивного фона двукратное повторение «не»: «не любишь, не хочешь». В первой строке стихотворения прорывается требовательность, возмущение героини. Это не привычная женская жалоба, причитание, а изумление: как такое может происходить со мной? И мы воспринимаем это удивление как правомерное, потому что такой искренности и такой силы "смятению" не верить. Вторая строка: «О, кaк ты красив, проклятый! » — передаёт растерянность, смятение отвергнутой женщины, беспомощность, бессилие, изнеможение. О "нем", кроме того, что он "красив", мы ничего больше не узнаем из этого стихотворения. И почему "он" "проклятый"? Ахматова редко прибегает к экспрессивной лексике, обычно она очень строга и сдержанна в выражении чувств, здесь же она отступает от собственной поэтической традиции. Очевидно, для того, чтобы передать силу переживания, силу любовной страсти. Но, думается, не только для. Репрезентативной деталью внешности "его" для героини стихотворения и для нас становится чисто внешняя деталь — то, что герой "красив" героиня же — "крылата", это характеристика совершенно другого планапосле чего и следует слово "проклятый". К тому же ударное "и" в слове "красив" придает ему некоторую утонченность, изнеженность, манерность. Красота "его", отмеченная экспрессивом "проклятый" после которого поставлен еще и восклицательный знакприобретает "роковой" характер, оттенок чрезмерности, искусственности, не достойной потрясающей искренности и "подлинности" самой лирической героини стихотворения. Эта строка — жесткий ответ скрытая и, видимо, непроизвольная ирония своенравной лирической героини "ему", лишенному внутренней глубины и подлинной оригинальности. Такой силы "смятение" может переживать только "крылатая", свободно парящая, гордая женщина. Своих крыльев, то есть свободы и легкости вспомним рассказ "Легкое дыхание" Бунинаона не ощущала прежде, она почувствовала их только теперь — почувствовала их тяжесть, беспомощность, невозможность кратковременную! Только так их и можно почувствовать. Женская рифма то есть ударение на втором слоге от конца строки в строке "А с детства была крылатой" не создает ощущения резкости, замкнутости, а наоборот — создает ощущение полета и открытости пространства героини. Сраженность разлюбленной героини стихотворения, сосредоточенность ее на своих переживаниях — утрате крылатости ослепляет ее, в ее глазах "сливаются вещи и лица", утратившие свою индивидуальность. В последних двух строках стихотворения пылает огненно-красный "тюльпан", повторенный дважды и дважды в сильной позиции — на стыке: в конце одной и затем в начале следующей строки. Непроизвольная сосредоточенность героини на тюльпане еще раз подчеркивает ее сосредоточенность на своих чувствах, а не на предмете своей любви, его внешности, глазах. Он того, надо думать, и не заслуживает. Все стихотворение оставляет чувство свободы, "крылатости" героини, а не ее слабости. И это не только "женские" стихи о любви, но стихи о человеческой гордости и о любви. Героиня этого стихотворения Ахматовой — это женщина своевольная, своенравная, свободная, как стихия. Ахматова, как известно, "научила женщин говорить". Для многих читателей Ахматова навсегда остается ярким и трепетным ликом, но только любовной темой творчество Ахматовой не исчерпывается. Позднее в творчестве Анны Ахматовой зазвучит гражданская тема. Эта тема воплотится в конкретных переживаниях русской женщины- жены, сестры, матери. Ахматова, действительно, самая характерная героиня своего времени, явленная в бесконечном разнообразии женских судеб: любовницы и жены, вдовы и матери, изменявшей и оставляемой. Коллонтай, Ахматова дала "целую книгу женской души". Ахматова "вылила в искусстве" сложную историю женского характера переломной эпохи, его истоков, ломки, нового становления. Ее героиня не только переживает личную драму разлуки с любимым, но и со всем народом хоронит, оплакивает, ждет, надеется и теряет надежду и в блокадном городе, и в эвакуации, и в тюремной очереди… Отец — отставной флот­ский инженер-механик, мать — из старой дворянской семьи. Предки Ахматовой по линии матери, по семейному преданию, восходили к татарскому хану Ахмату отсюда псевдоним. Переезд семьи в Царское Село, где она жила до 1905, обу­чалась в Царскосельской гимназии, директором которой был Анненский — поэтический учитель Ахматовой. Поступила на юридический факультет Высших женских курсов в Киеве. Публикация первого стихотворения в па­рижском журнале «Сириус», издававшемся Вернувшись в Царское Село, стала женой Гумиле­ва — известного поэта, знакомого ей еще по Царско­сельской гимназии. Поездки с мужем в Париж. Начинает регулярно печататься в петербургских и московских периодических изданиях. Входит в «Цех поэтов», где выполняет обязанности секретаря. Постоянное общение в кругу самых известных и ярких поэтов эпохи. Рождение сына — Льва Гумилева. Выход в свет первого поэтического сборника «Вечер», имевшего огромный успех. Небольшой тираж в 300 экземпляров разошелся в несколько дней. Выход в свет сборника « Четки », с которого началась все­российская популярность Ахматовой. Переиздавался в течение 9 лет 8. Выход в свет третьего сборника — «Белая стая», расши­рение круга тем тема Родины. Неприятие революцион­ных событий, отказ оставить Россию. Гумилева несмотря на то, что к тому времени были уже давно в разводе, восприняла его гибель драматично. Смерть Блока, воспринятая как огромная личная утрата. В 20-х годах обращается к ис­следованию творчества и биографии Пушкина ра­боты о «Золотом Петушке», «Каменном госте», биогра­фические заметки. Ее стихи не публикуются, и поэтому она активно занимается переводами. Завершение работы над поэмой «Реквием», посвященной страшным страницам истории России —. До начала 60-х годов поэма существовала даже не в списках, а в памяти автора и нескольких бли­жайших друзей. Первую блокадную зиму живет в Ленин­граде. В «Правде» публикуется стихотворение «Мужество». Речь Жданова и постановление партии и правительства по поводу журналов «Звезда» и «Ленинград». Резкая, ос­корбительная и несправедливая критика творчества вместе с Зощенко. Ахматова ждет каждый день ареста. Закончена «Поэма без героя» — одно из наиболее значи­тельных произведений Ахматовой, над которым она ра­ботала 22 года. Не удается попытка опубликовать «Рек­вием» в «Новом мире». Даже для эпохи оттепели поэма показалась слишком смелой. Поездка в Италию, где ей вручена международная пре­мия «Этна-Таормина» в связи с 50-летием творческой деятельности изданием сборника ее стихотворений в Италии. Издательство «Советская энциклопедия», Москва, 1981. Портрет и его оригинал. Портрет и его оригинал. Сочинения в двух томах. Издательство «Правда», 1990 г. В книге: Анна Ахматова. В книге: Анна Ахматова. Ида Рубинштейн - российская танцовщица и актриса. «Монументальность есть в каждом её движении, — восхищался художник, — просто оживший архаический барельеф». Сочинения в двух томах. Издательство «Правда», 1990 г. »- скажет Ахматова в одном из своих шутливых четверостиший. Действительно, в творчестве Ахматовой создан портрет русской женщины 20 века- с ее переживаниями, страстями, болями, мучениями, с ее судьбой- судьбой личной и судьбой своей родины, своей страны. Каждый пишет, как он слышит. Каждый слышит, как он дышит. Как он дышит, так и пишет, не стараясь угодить. Булат Окуджава И мысли в голове волнуются в отваге, И рифмы лёгкие навстречу им бегут, И пальцы просятся к перу, перо к бумаге, Минута - и стихи свободно потекут. Приветствуем Вас в блоге "И пальцы просятся к перу. На его страницах можно прочитать первые поэтические строки учеников, увидеть творческий рост юных поэтов. Блог знакомит читателя с методическими разработками учителя русского языка и литературы. Блог используется для дистанционного обучения. Здесь можно узнать задания к уроку литературы и найти материал для их выполнения. В блоге отражена творческая жизнь учеников 6-8 классов Второй Санкт-Петербургской гимназии. Это ведь реки, напояющие В селенную, это источники мудрости; в книгах ведь неизмеримая глубина; ими мы в печали утешаемся; они - узда воздержанья. Если прилежно поищешь в книгах мудрости, то найдешь великую пользу душе своей".




Катерина Авдеева

И был «взгляд заревой» - а, может быть «роковой»? На картине показана женщина натерпевшаяся и переживающая не лучшие времена.